Vous êtes intéressé par la peinture et vous voulez mieux connaître le célèbre Rembrandt ? Ce peintre de nationalité hollandaise a en effet, marqué le 17è siècle. Connu à l’état civil sous le nom de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, il est rendu populaire par ses œuvres. C’est le cas de « La Ronde de nuit » qui a suscité beaucoup d’admirations en 1642. Quels sont les évènements marquants de la vie de ce spécialiste de la peinture ? Découvrez tout dans ce contenu.

Rembrandt : de l’enfance à l’âge adulte

Rembrandt est né le 15 juillet 1606 à en Hollande, plus précisément à Leyde d’un meunier. Ce dernier a tout mis en œuvre pour lui assurer une éducation de qualité. Rembrandt entra à l’université à l’âge de 14 ans, mais décida de laisser ses études pour emprunter le chemin de l’art. Son nouvel enseignant fut Jacob Van Swanenburgh, un spécialiste en peinture.

Il alla ensuite se perfectionner pendant un semestre à Amsterdam chez le peintre d’histoire Pieter Lastaman. À son retour à Leyde, sa ville natale, Rembrandt attendit ses 18 ans pour ouvrir son lieu de travail. Ceci a été fait en collaboration avec Jan Lievens, un ami à lui. L’ouverture de ce centre a marqué le début de son succès professionnel. Plusieurs élèves sont venus se faire former par l’expert de l’art qu’il est devenu.

La vie amoureuse et familiale de l’artiste

Cet artiste professionnel s’est marié avec Saskia Van Uylenburgh en 1634. Cette union lui a donné plus de notoriété, car sa femme était la nièce d’un grand commerçant de l’art. Toutefois, si sa vie professionnelle était en parfaite santé, l’homme vivait des situations douloureuses sur le plan familial. Ainsi, il perdit deux enfants à bas âge. La naissance d’un troisième consola le peintre, mais ce bébé rendit également l’âme peu de temps après. Rembrandt eu néanmoins le bonheur de voir grandir son quatrième fils. Malheureusement, ce dernier devin orphelin de mère très tôt. L’artiste perdit sa femme en 1642.

Le peintre ne supportait plus sa solitude et se mit en relation avec Geertje Dircx en 1643. Celle-ci l’aida à élever son seul fils orphelin. Malheureusement, elle abandonna rapidement le jeune enfant et l’artiste. Elle fut internée en 1649. Rembrandt prit alors une nourrice pour partenaire et ils eurent une fille appelée Cornelia comme fruit de leur amour. La communauté religieuse n’apprécia pas cette relation parce qu’ils vivaient en concubinage.

À 50 ans, ce spécialiste de la peinture devint totalement pauvre. Les œuvres d’art qu’il aimait de façon spéciale furent donc vendues, de même que son appartement. En 1663, le décès d’Hendrick troubla à nouveau cet homme. 1668 fut aussi marquée par la perte de son fils Titus. C’est en cette même année que le tableau « Le Retour du fils prodigue » fut peint par l’artiste. Après tous ces évènements, Rembrandt décéda le 4 octobre 1669 à Amsterdam. Il eu toutefois le privilège de voir sa petite fille Titia naitre avant de s’éteindre.

Les œuvres d’art de Rembrandt

Rembrandt est devenu très vite populaire grâce à la finesse de son travail. Il a adopté un style de peinture basé sur la combinaison de l’obscurité et de la lumière. En 1631, il alla s’installer à Amsterdam où ses clients se multipliaient chaque fois. Le spécialiste des portraits et de la peinture historique a réalisé un tableau qu’il a nommé « La Leçon d’anatomie du Docteur Nicolaes Tulp » en 1632. Cette œuvre a rencontré un grand succès auprès des personnes de la haute classe.

Après son mariage avec sa première compagne, les œuvres de Rembrandt étaient plus orientées vers le dramatique. Il utilisa plus les colorations vives pour des travaux d’art baroque en cette période de sa vie. Toutefois, son style du mélange du clair et des couleurs sombres demeure. Il se distingua très rapidement des autres peintres. Ce professionnel est connu pour la réalisation des portraits qui traduisent les émotions et les sentiments proches de la réalité.

Avec sa deuxième compagne, l’homme s’est plus orienté vers la réalisation des peintures d’images bibliques. Il s’intéressait aussi aux autoportraits. Rembrandt se tourna vers d’autres passions comme le dessin et la gravure. Il dessinait divers paysages et montrait plus les caractéristiques du classicisme dans ses travaux. Certaines de ses œuvres comme « les trois arbres » ou « la petite tombe » sont des gravures révélatrices de son caractère polyvalent.

La particularité à agencer les couleurs sombres et claires a fait de l’homme un professionnel très reconnu aux Pays-Bas. La passion de l’art confère à Rembrandt une force incroyable qui lui permettait de travailler en toute situation. Ainsi, la tragédie qu’il vivait avec la perte de plusieurs membres de sa famille n’impactait en rien la qualité de son travail.

Si 1642 a été marqué par le décès de son épouse, il fut aussi marqué par la réalisation d’une de ses plus grandes œuvres. Il s’agit de « La Compagnie du Capitaine Frans Banning Cocq » rendu populaire sous le nom de « La Ronde de la Nuit ». En anglais « The Night Watch », ce produit de l’art fut très apprécié et contribua à accroître la renommée du professionnel. Cet homme influença plusieurs personnes comme Picasso par sa maîtrise de l’art.

Les inspirations de Rembrandt

Durant sa carrière, Rembrandt s’est largement inspiré de grands maîtres du Nord et du Sud pour façonner son propre style, caractérisé par une profonde piété religieuse et l’expression des émotions. Dans cet article, nous verrons les principales inspirations de Rembrandt et leur influence sur l’œuvre de l’artiste hollandais.

L’influence de l’Est sur les toiles de Rembrandt

Rembrandt a été très influencé par l’esthétique des maîtres de l’est. Elle se reflète dans son travail par l’utilisation de teintes sombres et d’un éclairage doux et limité en définissant des contours nets. Les œuvres d’artistes italiens, notamment Caravaggio, ont également joué un rôle important. En particulier, ses toiles sont caractérisées par une grande profondeur dans les ombres et la perspective, ce qui est en grande partie dû à l’influence de l’utilisation de la lumière caravagesque.

Les nordiques et la piété religieuse de Rembrandt

En même temps, Rembrandt s’est également inspiré des maîtres nordiques, dont les style classique et détaillé est lié à sa foi calviniste et à la vénération de Dieu par le biais de l’art. Son œuvre est très marquée par sa foi et les récits bibliques qu’il a peints comportent presque toujours une composition dramatique d’un grand nombre de figures. Bien qu’il affiche une prédilection pour les peintures et les dessins religieux, ce sont les peintures plus profanes qui sont considérées comme sa plus grande contribution artistique.

L’utilisation d’apartés du corps humain et des couleurs

Outre l’aspect religieux de ses œuvres, Rembrandt est également connu pour sa représentation des apartés du corps humain, notamment contre-jours, très caractéristiques de ses toiles. Il a également exploité l’excellente lumière des Pays-Bas, ce qui lui a permis de créer une atmosphère intime et personnelle dans son art en jouant avec les ombres et les mouvements des personnages. Enfin, Rembrandt est célèbre pour ses couleurs, notamment ses images peintes à l’huile très légères, presque translucides.

En synthèse, Rembrandt est un artiste célèbre pour ses contributions à la peinture baroque. Ses nombreuses œuvres sont le résultat de diverses inspirations, notamment les maîtres du nord et du sud, tels que Caravaggio et les Pays-Bas. Sa représentation des apartés du corps humain, ses couleurs, sa composition dramatique et sa perception intime et personnelle sont quelques-uns des principaux éléments qui font de l’œuvre de Rembrandt une source d’inspiration unique pour les générations futures.

Les plus grands mouvements artistiques

Depuis 1660, l’Europe a été touchée par d’innombrables vagues de mouvements artistiques. Ces mouvements se sont succédé les uns après les autres jusqu’à notre époque appelée l’époque contemporaine. Ils ont défendu différentes conceptions, différentes valeurs et différentes philosophies.

Le romantisme

Le romantisme est un des mouvements artistiques les plus importants du XVIII siècle. Ce mouvement s’est fait une place de choix dans toutes les formes d’art durant le XVIII et le XIX siècle. Il s’est fait plus ressenti en Europe surtout en France et en Allemagne. Le romantisme est considéré comme l’opposé direct du classicisme, car il rejette son rationalisme.

Il fait abstraction de tous les codes qui existent et qui sont en vigueur. Les écrivains romantiques incarnent la mise en valeur du « moi ». Il est considéré comme l’expression des sentiments et de quelques passions d’un individu qui vit un présent sombre. Cet individu est pris dans les tourments de son destin.

À travers le romantisme, on a eu droit à une tonalité lyrique. Les thèmes les plus abordés sont les sentiments, l’évasion, le rêve, la nature, l’infini, la solitude. Les auteurs emblématiques de ce mouvement sont : François René de Chateaubriand, Victor Hugo, Alphonse de Lamartine et Alfred le Musset.

Le classicisme

Le classicisme est un mouvement artistique qui a débuté en 1661 avec le règne personnel de Louis XIV. Le classicisme prône la recherche de l’exemplarité. Les œuvres produites dans ce mouvement sont d’excellentes œuvres en termes de qualité.

Les différents auteurs du mouvement sont allés se ressourcer chez les anciens auteurs en plongeant dans leurs différentes productions. Les anciens auteurs que les auteurs du classicisme sont Sophocle et Euripide. La priorité artistique du mouvement est la recherche de la mesure, l’équilibre et la symétrie pour d’un côté, plaire au Roi et à la cour et d’un autre s’instruire.

L’envie de plaire au Roi a laissé paraître la vraisemblance (imitation de la vérité) et la bienséance (ce qu’il convient de dire ou de faire en société). Ces deux notions ont mis en avant, l’interdiction d’aborder des sujets tabous capables de bouleverser émotionnellement. Les auteurs emblématiques de ce mouvement sont : Jean Racine, Jean de la Fontaine, Pierre Corneille.

Le réalisme

Le réalisme est un mouvement artistique qui prône le vrai et la réalité. Les auteurs de ce mouvement ont été très intransigeants sur ce point. La réalité doit être peinte telle qu’elle est. La première apparition de ce mouvement est en peinture sous le pinceau des peintres de l’école de Barbizon. Le réalisme s’éloigne complètement des passions et des subjectivités que prône le romantisme. Les auteurs du réalisme sont curieux de rechercher de quoi est fait l’homme dans leurs différents milieux sociaux. Leurs histoires sont le reflet exact des faits réels et leurs personnages sont issus de la classe populaire ou même du prolétariat. Les auteurs réalistes se confrontent aux faits et aux mœurs quotidiens. Ils s’attellent à les expliquer et à décrire leurs différents impacts. Les sujets les plus étudiés sont : le travail, les relations conjugales et les affrontements sociaux. Les célèbres auteurs de ce mouvement sont Gustave Flaubert et Stendhal.

Le symbolisme

Le symbolisme est une parfaite réponse des auteurs qui sont contre le naturalisme et la poésie parnassienne. Ce mouvement littéraire a connu son apogée à la fin du XIXᵉ siècle. Ici la spiritualité est mise en avant. Pour les auteurs du mouvement, l’art est conçu par le monde spirituel. Les différents moyens par lesquels cet art s’exprime sont entre autres, la représentation réaliste utilisée par les autres mouvements littéraires de la même époque.

Pour les symbolistes, la description du monde ne peut pas se faire de manière directe. Cette description doit passer nécessaire par la suggestion. Cette suggestion aura pour but de créer des relations et des correspondances dans le but de donner une vision symbolique et spirituelle du monde. Les symbolistes ont pour trait commun, la musicalité des mots. Ils ne jurent que par cette musicalité. Les thèmes les plus récurrents qu’ils abordent sont : le rêve, la mythologie ou le mystère. Les auteurs emblématiques de ce mouvement sont : Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud et Paul Verlaine.

Le baroque

D’abord le mot « baroque » est un mot issu du portugais" barocco » qui signifie « perle de forme irrégulière ». Ce mouvement commence par la peinture, la sculpture et l’architecture. Quelques années plus tard, la musique et la littérature ont fait leur entrée dans le mouvement.

Le baroque prône un monde instable et en perpétuelle transformation. C’est l’une des caractéristiques fondamentales du baroque. C’est en faisant allusion à l’instabilité du monde que les thèmes abordés dans le baroque sont : la mort, l’inconsistance et les apparences. On y rencontre aussi un attrait poussé pour la sensualité, les extrêmes, les ornementations, le trompe-l’œil, le travestissement ou encore les effets de langage (hyperbole et antithèse).

Le baroque a fait de son apanage, la poésie, le roman et le théâtre. Les célèbres auteurs de ce mouvement sont : Mathurin Régnier, Théophile de Viau, Pierre de Marbeuf et Pierre Corneille.

L’art abstrait : Un grand mouvement artistique

L’art abstrait est un mouvement artistique qui s’est développé dans le monde entier au début du XXe siècle. C’est un style de peinture et de sculpture dépourvu de représentation objective et représentant une réalité abstraite plutôt qu’une réalité palpable. Il reconnait le fait qu’une image peut être plus qu’une simple représentation, qu’elle peut montrer des points de vue uniques et nouveaux. Bien que des peintres aient pu expérimenter l’art abstrait depuis des siècles, c’est seulement à la fin du XIXe siècle qu’il a commencé à prendre de l’ampleur et à être réellement apprécié. Aujourd’hui, l’art abstrait fait partie des styles les plus appréciés de l’art contemporain.

Les origines de l’art abstrait

Les premiers artistes à s’être essayé à l’art abstrait étaient des peintres comme Wassily Kandinsky, Paul Klee et Piet Mondrian. Ces artistes ont été influencés par différents courants artistiques, notamment le symbolisme, l’expressionnisme, le fauvisme ou encore le cubisme. Ils ont cherché à faire des œuvres plus expressives et abstraites, en ne recréant pas nécessairement la réalité avant qu’elle ne soit vue par les yeux humains, mais plutôt par leur imagination ou leurs sentiments.

De nombreux artistes se sont ensuite tournés vers l’art abstrait, ce qui a provoqué un véritable mouvement Artistique. À partir des années 1910, des artistes comme Kazimir Malevitch, Theo van Doesburg et Hilma af Klint ont fait des peintures abstraites, tandis que des sculpteurs comme Alexander Archipenko et Jacques Lipchitz recouraient à l’abstraction.

Le développement de l’art abstrait

Ces artistes innovateurs ont ouvert la voie à une myriade d’autres artistes dans le monde entier. Durant la Première Guerre Mondiale, de nouveaux mouvements sont nés, tels que le Suprématisme, le Cubo-Futurisme, le Constructivisme et l’Art Concret. Des mouvements tels que le Surréalisme, le Modernisme, le Pop Art et le Minimalisme sont apparus un peu plus tard, contribuant au développement de l’abstraction en Occident.

Pendant ce temps, l’art abstrait était également en plein essor dans d’autres régions du monde. Un style similaire, connu sous le nom d’Abstraction Lyrique, est apparut en Europe au milieu du XXe siècle et s’est rapidement propagé en Amérique du Sud et en Afrique, où de nombreux artistes ont commencé à créer des œuvres abstraites.

L’importance de l’art abstrait

Aujourd’hui, des artistes du monde entier créent des œuvres dans un style abstrait. Ce mouvement artistique est très important car il a permis à des millions d’artistes de s’exprimer sur la société, la spiritualité et le monde qui les entoure. Les œuvres abstraites ont permis aux artistes de créer leurs propres visions, sans être limités par les conventions sociales ou culturelles.

De plus, l’art abstrait donne aux artistes et aux spectateurs une plus grande liberté de mouvement et d’expression. L’abstraction ne comporte aucune règle formelle ou structurelle, ce qui en fait un lieu libre où les artistes peuvent laisser libre cours à leur imagination. Cela signifie également que les spectateurs sont invités à interpréter chaque œuvre différemment, ce qui laisse plus de liberté d’expression aux artistes et aux spectateurs.

Selon certaines rumeurs, le sillage du casino ne semble parfois pas intéresser les peintres et les artistes. Cependant, force est de constater que de nombreux artistes amateurs de jeux d’argent en ligne se sont décidés à parler de ce nouveau marché. Découvrez quelques plus grandes œuvres d’art en lien avec le casino.

La toile de Michelangelo Merisi da Caravaggio et ses tricheurs

Il s’agit d’une exposition virtuelle de l’artiste-peintre italien Michelangelo Merisi da Caravaggio. Cette toile met en scène des joueurs de cartes aux intentions honnêtes. Il faut signaler qu’elle est également connue sous le nom des « tricheurs ». La réalisation date des années 1594 et se trouve actuellement aux USA. Plus précisément dans le Kimbell Art Museum de Fort Worth.

L’œuvre de Georges de la Tour Le tricheur à l’As de Carreau

C’est en 1638 que l’artiste-peintre Georges de La Tour a terminé la réalisation de cette œuvre. Cette dernière est exposée au Musée du Louvre. Le peintre s’est particulièrement focalisé sur le thème du casino à partir du XXe siècle. Aujourd’hui, il s’agit de l’une des œuvres en lien avec le casino les plus populaires dans le monde.

L’œuvre d’Israel Rubistein et son célèbre jeu de roulettes

Cette toile a été faite par l’Israélien Rubinstein. Ce dernier a été encouragé par son père qui était aussi un artiste depuis son jeune âge. Par la suite, son talent sera récompensé. C’est depuis 1967 qu’il va aller aux États-Unis et son inspiration se transforme considérablement. Il va finalement atteindre une maturité qui va finalement influencer son cubisme et son surréalisme. Raison pour laquelle vous pouvez apprécier la pléthore de ses œuvres d’art en termes de casino. Notez qu’il s’agit d’un amateur de poker.

L’œuvre de Francis Bacon

Il est vrai que ce dernier n’avait pas répondu à ce thème dans les débuts. Mais une fois installé à Monaco, il a développé une passion intéressante dans le sillage du jeu. Cela s’est particulièrement fait remarquer au grand casino de principauté. Cela lui a, à un moment donné, fait bloquer sa passion de peintre.

À la fin, il va allier peinture et jeu de hasard, ce qui sera l’origine de cette œuvre exceptionnelle. Sa passion pour les jeux de casino va l’aider à produire plusieurs autres œuvres par la suite. Il faut noter qu’il était un passionné de jeux de hasard tels que la roulette, les machines à sous, etc. Il n’a pas cessé de produire d’autres œuvres d’art en ligne avec ce thème.

L’œuvre de Picasso à las Vegas

Il est premièrement important de signaler que plusieurs casinos font régulièrement des expositions sur les casinos. C’est dans ce cadre que l’artiste Picasso, passionné de ces jeux de hasard en ligne, a dédié une pièce importante dans ce sillage dans la ville de Las Vegas. Il s’agit d’une œuvre qui a fait la joie de plusieurs personnes à travers le monde, en particulier les fans de casinos.

Exposition de photos de Christian Huet

Depuis 2012, le casino de Quiberon en Belgique a accueilli l’artiste Christian Huet. Voulant faire connaître ses offres et services au grand public, l’établissement a fait appel au grand photographe Christian Huet. Ce dernier a produit des photographies originales sur toile et montées sur châssis. Ces œuvres ont été le résultat de plusieurs prises de vues traduisant des champs de vision particuliers. Ces expositions ont d’ailleurs fait naître de nombreuses autres machines à sous pour le casino.

L’exposition sur l’art urbain au casino urbain Crans-Montana

Un autre chef-d’œuvre a été observé au casino Cran-Montana dans les Alpes. Ce dernier était particulièrement réservé à l’art Urbain. Cet établissement de jeux a convoqué des graffeurs de toute la planète et ces derniers ont valorisé leur savoir-faire. Les clients de ce casino pouvaient facilement contempler les œuvres d’art ces experts. Cela permettait une certaine curiosité et animation au sein de l’établissement. Par ailleurs, l’établissement, par ces œuvres, permettait aux clients d’apprécier son offre et de connaître les jeux proposés.

L’exposition sur le street art du casino de Châtaillon-Plage

Il existe de nombreuses expositions étonnantes et parfois engagées sur la culture du street art. C’est ce que le casino de Châtaillon-plage a essayé de montrer. Les œuvres proposées sont faites par l’artiste Epéo et les clients sont tout à fait satisfaits. Les œuvres proposées consistent en des animations fascinantes. Il s’agit de fresques murales de près de 3 mètres de long sur 1 mètre de haut en direct. L’œuvre d’art symbolise une machine à sous qui est visible par tous et démontre l’ambition de l’établissement.

Le street Art du casino fort-Mahon

Cet établissement a mis en œuvre un Made in Graffiti. Il s’agit de l’ouvrage d’un artiste local qui a pu satisfaire une grande popularité. Le Made in Graffiti a laissé parler une certaine créativité à travers de superbes fresques murales. Ces dernières étaient uniquement basées sur l’univers du jeu de casino. L’objectif étant de produire un trompe-œil et univers 3D pour les clients.

L’exposition des anciennes œuvres d’art de l’Egypte au casino d’Ais-Les Bains

L’Egypte antique fait partie de l’un des thèmes les plus populaires des fournisseurs de machines à sous. Raison pour laquelle de nombreux peintres produisent des tableaux très intéressants sur le thème du casino. C’est le cas de l’exposition du casino d’Aix-Les-Bains qui a sollicité de jeunes artistes de l’Ecole d’Art de Chambéry pour produire des tableaux fascinants pour la clientèle.

Vous avez là des exemples des plus grandes œuvres de casino. Il ne s’agit que d’exemples, car il y en a en grand nombre. Si vous souhaitez les voir, il vous suffit de consulter certains sites en ligne et vous en aurez plein les yeux.

Van Gogh est un peintre hollandais du XIXe siècle qui a marqué son époque et l’art grâce à ses œuvres. L’histoire de sa vie, ainsi que ses nombreuses réalisations, continuent d’intéresser les passionnés de peinture. Découvrez, dans ce contenu, sa famille, les faits marquants de sa vie, de même que ses principales œuvres.

Naissance et Évènements familiaux

Vincent Van Gogh est né le 30 mars 1853 aux Pays-Bas, plus précisément dans le village nommé Groot — zundert.

Famille

Il est le fils aîné de Theodorus Van Gogh et d’Anna Cornella née Carbentus. Son père était pasteur de l’Église réformée à Groot — zundert quelques années avant sa naissance. Avant lui, ses parents avaient eu un enfant mort-né Vincent Willem I dont il portera le prénom. Il aura ensuite 5 jeunes frères et soeurs qui sont Anna Cornelia (les mêmes noms et prénoms que ceux de la maman), Théo, Elisabetha, Willemina et Cornelis.

La mission de pasteur est une tradition familiale, tout comme le commerce des œuvres d’art. En effet, du temps de sa vie, le grand-père de Vincent Van Gogh était diplômé de la faculté de théologie à l’université de Leyde.

Enfance et jeunesse

L’artiste a grandi dans une famille qui mène une vie simple. Quant à lui, il était un enfant silencieux, pensif et sérieux.

Vincent est inscrit à l’école de Zundert en janvier 1861 dont l’effectif est de deux cents élèves. À la fin de cette année, il est retiré de l’école et son père fait appel aux services d’une enseignante pour lui offrir des cours particuliers à la maison. Cette dernière enseigne à Vincent et à sa sœur Anna, surtout le dessin. En 1864, il rejoint l’internat à Jan Provily à Zevenbergen à 30 km de son village. Dans ce lieu, l’artiste apprend le français, l’allemand et l’anglais. En parallèle, il continue dans cet établissement à perfectionner sa connaissance du dessin.

À l’âge de 16 ans, Vincent devint apprenti dans l’entreprise Goupil & Cie à La Haye. Cette dernière est une société fondée par son oncle et spécialisée dans la vente de tableau. Il y fut embauché après sa formation à l’âge de 20 ans.

Âge adulte

En avril 1976, alors âgé de 23 ans, Vincent fut licencié par l’entreprise. Il sera plus tard professeur bénévole dans une école à Londres où il s’est rendu à cause de son désir de devenir prédicateur. Lorsqu’il revint chez ses parents pendant les fêtes de fin d’année en 1976, son père l’encouragea à travailler dans une librairie de Dordrecht.

Sa famille, le soutenant par ailleurs dans son ambition de devenir pasteur, l’envoya suivre des cours de théologie à Amsterdam en 1877. Il échoua à tous ses examens. Par la suite, il obtint une mission d’évangéliste en Belgique dans la région de Mons. Il décide finalement en 1887 de se consacrer uniquement à la peinture suite à la pression familiale. En effet, il avait peu de succès en tant que prédicateur.

Les œuvres qui ont rendu Van Gogh célèbre

Vincent Van Gogh a plus de 900 tableaux et au minimum 1000 dessins à son actif. Le fauvisme et l’expressionnisme tirent leur inspiration de son œuvre post-impressionniste.

Avant de créer un style qui lui est propre, Van Gogh a adopté dans un premier temps un style simple et direct. Ensuite, il a essayé le japonisme qui fut un style qui s’est répandu en France dans la seconde moitié du XIXe siècle.

Initié à l’aquarelle puis à la peinture à huile à La Haye, il réalise le célèbre tableau Les mangeurs de pommes de terre (1885). Avec l’art japonais, il réalise Iris (1889) et l’Amendier en fleurs (1890).

Un peu avant cela, quand il arriva à Paris avec son frère Théo, il rencontre les peintres impressionnistes et néo-impressionnistes. Ces derniers vont l’influencer et il réalisera des peintures sur le quartier de Montmartre et le Portrait du Père Tanguy (1887).

Lorsqu’il déménagea pour Arles, il réalisa La chambre de Van Gogh à Arles et Le semeur au soleil couchant, Tournesols en 1888. Il réalise La sieste et Nuit étoilée en 1889 depuis l’asile d’aliénés à Saint-Rémy-de-Provence où il fut interné.

La mort de Van Gogh

Les dernières années de l’existence du peintre furent très éprouvantes pour lui et sa famille. Il passa beaucoup de temps en asile, car il était souvent victime de violentes crises de folies. Cela l’amena même à couper l’une de ses oreilles qu’il offrit en cadeau à sa maîtresse. Lorsqu’il retourna chez son frère en région parisienne, ce dernier le confia au docteur Gachet qui était l’un de ses amis.

En effet, étant donné que ce dernier appréciait son art, il décida de s’occuper de lui. Van Gogh tentera de mettre fin à ses jours le 27 juillet 1890 en se tirant une balle dans la poitrine. Il mourut deux jours plus tard à l’âge de 37 ans et fut enterré au cimetière d’Auvers-sur-Oise. L’artiste n’arrêta jamais de peindre jusqu’à la fin de sa vie.

Les expositions d’art sont des occasions exceptionnelles au cours desquelles vous pouvez découvrir des créations de tout genre. Au cours de l’année, plusieurs galeries dans le monde organisent ce type d’événement. Des artistes peintres du monde entier peuvent donc y exprimer leurs arts et vous en faire profiter. Plusieurs œuvres sont présentées pour vous offrir un véritable espace de découverte. Voici les meilleures expositions de tableaux organisées dans le monde.

Smell like kid spirit de Ricardo Cavolo

Jusqu’au 22 octobre, Ricardo Cavolo offre aux passionnés du style cartoons une exposition inédite à Paris. Le street artiste fait sa première présentation solo sur les murs de la galerie NANOH pour son expo « Smell like kid spirit ». Il s’agit d’un mélange de couleurs vives avec plusieurs références à la culture pop. À travers ses peintures, Ricardo Cavolo raconte son enfance et son adolescence. Le sous-sol de la galerie NANOH devient une chambre d’ado immersive.

Smell like kid spirit est une introspection de la vie de l’artiste. Dans cette expo, découvrez l’univers particulier d’un amoureux de mangas, de culture pop et de jeux vidéo. Les œuvres de Cavolo font d’ailleurs référence aux dessins animés. Parmi ces derniers se trouvent les plus populaires comme :

• les Simpsons,
• sailor moon,
• Denis Rodman, etc.

C’est une expérience unique à travers l’imaginaire et la nostalgie de la culture pop des années 90. Ricardo Cavolo est connu pour ses peintures en collaboration avec le producteur Kaytranada. Il fait un show solo NONAH pour vous livrer les secrets de son enfance.

L’exposition Claude Viallat à New York

L’exposition de Claude Viallat est un événement qui met en avant des toiles tout à fait uniques. L’artiste choisit un procédé assez atypique basé sur le temps. La singularité des œuvres de Claude Viallat réside dans la répétition des formes et des couleurs. À travers ces superbes tableaux, le peintre fait remarquer à son public qu’une réplique n’est jamais identique à l’original. Ces excellentes répétitions témoignent subtilement de la discontinuité du temps.

Claude Viallat présente dans cet ensemble de peintures une seule œuvre qui est développée au fur et à mesure. Le tout constitue une incroyable accumulation de mémoire qui rappelle la lenteur du temps. Ces tableaux vivants exposent le magnifique décor du sud méditerranéen. Ici, l’artiste se sert de la somptuosité des couleurs pour créer des œuvres uniques. Il met notamment en avant le jaune, le pourpre, le rose flamboyant, le bleu de Matisse, etc.

La singularité de Claude Viallat est surtout remarquable. Lorsque ses yeux se posent sur chaque toile, l’observateur est immédiatement à la recherche d’un événement inattendu. Vous essayez donc de déceler quelque chose d’inhabituel pour finalement s’imprégner dans une matinée silencieuse au bord de la Méditerranée.

SMIIILLLLEEEE de Rachel Jones à Londres

Avec ses tableaux, Rachel Jones plonge son public dans un univers étrange où ce sont les peintures qui observent. Dans cette nouvelle expo, l’artiste passe par des yeux à la bouche et aux dents. Il utilise les murs de la galerie pour présenter des dents déformées qui vous suivent à travers la pièce. Tordues et poussées à l’extrême, celles-ci vous offrent des sourires menaçants. C’est de là que vient le nom « SMIIILLLEEE » donné à cette exposition organisée à Londres.

La peintre se base notamment sur ses sens et son expérience visuelle pour présenter des bouches de différentes sortes. Les tableaux sont réalisés dans un style abstrait avec un impressionnant panel de couleurs. En somme, Rachel Jones vous invite à découvrir le rôle des expressions faciales dans le langage à travers cet ensemble de peintures.

La collection MOMAT

La collection MOMAT est une exposition permanente au Musée d’Art Moderne de Tokyo. Elle présente un ensemble d’œuvres de plusieurs artistes régulièrement renouvelées. C’est un évènement unique au Japon et qui vous permet de contempler du regard l’histoire de l’art japonais à travers les siècles. Le contenu de cette exposition est très riche jusqu’à ce que plus de 200 œuvres inédites soient mises en avant. Sur certains tableaux, vous pouvez aussi découvrir un mélange de styles traditionnels et occidentaux.

La collection MOMAT constitue une traversée du monde de l’art japonais depuis le XXe siècle. Découvrez par exemple :

• « feuilles » mortes de Kuroda Seiki peint en 1891
• « route, talus et murs » de Kishida Ryusei réalisé en 1915
• « la mer » de Koga Harue peint en 1929, etc.

Les œuvres étrangères sont également exposées dans les différentes pièces pour un mélange parfait et atypique. Le musée d’Art moderne de Tokyo dispose de milliers d’œuvres et propose au public une bonne façon d’apprécier la rotation entre elles. De plus, vous pouvez profiter des mini exposition-dossiers installées par le musée.

Nombreuses sont les personnes qui sont impliquées dans le monde de l’art. Il est alors difficile de choisir qui est le meilleur puisqu’on distingue différents types d’artiste et chacun a son propre style. Pour vous aider, voici donc une liste de quelques-unes des personnes les plus talentueuses dans ce secteur.

Bob Ross

Bob Ross était un peintre américain et animateur de télévision. Il est surtout connu comme le créateur et l’animateur de The Joy of Painting. Il s’agit d’une émission de télévision éducative populaire diffusée de 1983 à 1994 aux États-Unis. Ross a créé plus de 1 000 épisodes de The Joy of Painting.

Bob Ross est décédé à l’âge de 52 ans, le 4 juillet 1995, après avoir été opéré d’un cancer du poumon plus tôt dans l’année.

Chuck Close

Chuck Close est un peintre américain connu pour ses portraits d’individus à grande échelle. Ses œuvres sont souvent présentées sous la forme d’une grille, chaque portrait occupant son propre espace carré. Il a eu de nombreuses expositions personnelles et son travail a également été présenté dans de nombreuses autres expositions. Chuck Close a eu une influence majeure sur de nombreux autres artistes. Son œuvre « The Ambassadors » est l’un des tableaux les plus célèbres de l’histoire de l’art. Il s’agit de l’une des œuvres les plus influentes jamais créées par un artiste contemporain.

Claude Monet

Claude Monet est un peintre français qui est surtout connu pour ses peintures de nénuphars et de meules de foin. Il est né à Paris, en France, en 1840 et y est mort en 1926. Le style de peinture de Monet a évolué au fil des années. Il est surtout connu pour ses œuvres impressionnistes, caractérisées par des coups de pinceau audacieux et des couleurs vives.

Gustav Klimt

Gustav Klimt est l’un des artistes les plus célèbres du XXe siècle. Ses peintures sont souvent caractérisées par leurs couleurs riches, leurs motifs plats et leurs dessins abstraits. Son œuvre la plus célèbre est Le Baiser, qui représente son modèle préféré, Emilie Flöge, dans sa robe caractéristique. Klimt a été fortement influencé par le mouvement Art nouveau, qui privilégiait la nature au réalisme et l’ornementation à la structure géométrique. Il s’est également inspiré des mosaïques byzantines et des techniques de gravure japonaises, ainsi que d’autres cultures orientales comme l’Inde.

Pablo Picasso

Pablo Picasso est un peintre, sculpteur, graveur et céramiste espagnol né à Malaga. Il est l’un des artistes les plus influents du XXe siècle et est considéré comme l’un des plus grands artistes. La période bleue de Picasso, qui a duré de 1901 à 1904, a été marquée par des peintures principalement dans des tons bleus. Cette période comprend également des œuvres telles que Le vieux guitariste (1903). Cette dernière est devenue l’une des œuvres les plus reconnaissables de Picasso aujourd’hui en raison de sa simplicité.

Rembrandt van Rijn

Rembrandt van Rijn (1606-1669) est un peintre et graveur néerlandais qui comptait parmi les artistes les plus célèbres d’Europe de son vivant. Son œuvre est admirée pour sa puissance d’expression et son utilisation de l’ombre et de la lumière (clair-obscur). Il a peint de nombreux autoportraits, certains dans des poses très dramatiques. Son œuvre la plus célèbre est « La Garde de nuit », achevée vers 1642. Cette dernière représente un groupe organisé de soldats accomplissant leurs tâches pendant la nuit, avec des torches allumées devant eux.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli est un peintre italien de l’école florentine du début de la Renaissance. Il est surtout connu pour La Naissance de Vénus et Primavera. Il est né à Florence, en Italie et est mort en 1510 à l’âge de 58 ans. Ses tableaux font encore partie des œuvres d’art les plus connues aujourd’hui, comme La Naissance de Vénus. Cette œuvre montre à quel point le travail de Botticelli peut être beau lorsqu’il s’agit de peindre des choses comme la nature ou des êtres mythologiques.

Vincent van Gogh

Vincent Van Gogh est un peintre néerlandais qui a vécu à la fin du XIXe siècle. Il a peint de nombreux autoportraits, ce qui lui a permis d’expérimenter la couleur et la technique du pinceau. Van Gogh a passé une grande partie de sa carrière en tant que marchand d’art. Il a également créé plus de 2 000 œuvres sur différents supports, notamment des peintures à l’huile, des aquarelles, des lithographies et des dessins.